![Tom Brady og Gisele Bündchen lejer Derek Jeter's Tampa-palæ](/uploads/acceptor/source/70/no-picture2.png)
Påfugle findes overalt i disse dage, deres iriserende fjer og dekadente skønhed inspirerer dekorative efterligninger både abstrakte og bogstavelige. Men dette er ingen nylig tendens. Påfugle har været et yndet dekorativt motiv i årtusinder. Lad os se på et par øjebliksbilleder af påfuglen i designhistorien.
Påfugle har været et symbol på rigdom, skønhed og genfødelse siden oldtiden - og et symbol på farlig stolthed. Deres billeder kunne findes i den tidlige kristne gravkunst, og var et yndlingsmotiv i det gamle Rom og Byzantium (billede 2). I Indien, hvor påfugler oprindeligt kommer fra, var de et symbol på royalty. Indiske herskere ville have tjenere til at fan dem med påfuglfjere, og du kan se påfugle på dette sejrbanner fra det 15. århundrede fra Gujarat (billede 3). Bladet fra et ottomansk album fra det 17. århundrede (billede 4) er en hyldest til en tyrkisk sultan; en kalligrafisk paean til ham i dekorativ arabisk skrift sporer de indre linjer i påfuglens hale. Påfugle og påfuglbillede optrådte også i vesteuropæisk design som på en engelsk ture og omslag med et påfuglfjedermotiv fra 1700-tallet (billede 5).
Men det var nær slutningen af 1800-tallet, at påfugle blev særligt populære i den vestlige visuelle kultur. Designere som William Morris kiggede til andre kulturer og aldre efter en model af et præindustrielt håndværksbaseret produktionssystem, hvor arbejderne kunne finde værdighed og glæde i deres arbejde. Morris brugte vores fugl i sine "Peacocks and Dragons" gardiner fra 1878 (billede 6) delvis på grund af populariteten af påfugle i middelalderen som et symbol på Kristi opstandelse, og delvis på grund af deres resonans med Islamisk design. Morris havde for nylig besøgt en butik i London, som han beskrev som ”alt vermilion og guld og ultramarin, meget smukt og... ligesom at gå ind i de arabiske nætter.”
Omkring den samme tid blev en gruppe engelske kunstnere og designere kendt som æstetik. Deres credo var "kunst for kunstens skyld", og deres mål var at fremstille og opleve skønhedsværker og behagelig resonans. Ligesom Morris blev denne gruppe ofte inspireret af design fra andre kulturer, især Japan og den islamiske verden. Påståelig var påfuglen, en væsen defineret af skønhed, et af de fremherskende symboler på bevægelsen. (Det andet hovedsymbol var solsikken, der vender sit ansigt til at følge solen, en anden passende metafor for denne glædesøgende gruppe.)
James McNeill Whistler var en af de største æstetiske kunstnere, og hans Peacock Room (billede 7) er det arketypiske æstetiske interiør og er en stor historie: En forsendelsesmagnat, Frederick Leyland, bad Whistler om at foretage mindre touch-ups til sin spisesal i London og derefter forlod byen. I mellemtiden skabte Whistler dette overdådige interiør og malede over det dyre læder på væggene med blå maling og enorme mængder sølv og guldblad. (Han underholdt også venner i Leylands hus og havde endda en affære med sin kone). Da Leyland fik regningen, var han forståeligt bedøvet og nægtede at betale for dette ekstravagante arbejde, som han ikke havde bestilt. Til sidst hostede han halvdelen af det beløb, som Whistler havde krævet. Som gengældelse snigede Whistler tilbage i sit hus og malede det sidste panel af to påfugle, der kæmpede. Han kaldte det ”Kunst og penge; eller historien om rummet, ”og afbildede en af påfuglerne med en rufflet skjorte som dem, som Leyland altid havde på, og med sølvmønter, der spildte fra hans bryst.
Påfuglen fortsatte som et foretrukket motiv ind i jugendtiden. Walter Crane skabte en påfugldisk i en stil relateret til både islamiske og indiske traditioner i 1906 (billede 8), mens Louis Comfort Tiffany brugte gamle syriske glasfremstillingsteknikker til at skabe iriserende virkning af sin påfuglvase i 1890'erne (billede 9). Illustratøren Aubrey Beardsley brugte påfuglen som motiv gennem sine 1894-illustrationer til Oscar Wildes skuespil, Salomé (billede 10), der understreger det dekadente aspekt af fuglens udsøgte skønhed. Stormagasinet i London, Liberty's, der forkæmpede den æstetiske stil, producerede et påfugl-fjeremøbelstof i 1887 (billede 11), der blev genindført i 1975 og er stadig populært i dag.
Påfugle er stadig et populært motiv i dag, måske fordi de kan være smukke både som et grafisk billede og som en repræsentation af naturen. Vi elsker Dwell Studio'S Påfugl dynesæt med et slående blå-på-ringblomst påfuglmønster (billede 12). Hvis du har en forkærlighed for påfugl, kan du lægge det strøelse i et rum med Matthew Williamsons rigtonede tæppe til Rug Company (billede 1). Eller du kan efterligne Anna Sui og undgå kunstnerisk fortolkning til fordel for den rigtige ting - hun har en smuk taxidermied påfugl på sin kappe (billede 13).
Billeder: 1 Matthew Williamson, Påfuglbeklædning til tæpperfirmaet; 2 Romersk eller byzantinsk, mosaik med en påfugl og blomster, 3.-4. århundrede. Metropolitan Museum of Art, New York; 3 Sejrbanner, Gujarat, Indien, 1447. Gouache, blæk og guld på bomuld. Victoria og Albert Museum, London; 4 Osmannisk albumblad, Tyrkiet, ca. 1600-1650. Blæk, farver og guld på papir. Metropolitan Museum of Art, New York; 5 Chelsea Porcelænsfabrik, Tureen, omslag og stativ, England, ca. 1765-70. Victoria og Albert Museum, London; 6 William Morris, påfugl og drage gardiner, London, 1878. Hånd-vævstykke jacquardvævet uldvæv med fletningstrimler. Victoria og Albert Museum, London; 7 James McNeill Whistler, Harmony in Blue and Gold: The Peacock Room, London, 1876-77. Oliemaling og metalblad på læder, lærred og træ. Freer Gallery of Art ved Smithsonian Institute, Washington, DC; 8 Walter Crane, Peacock Dish, England, 1906. Fajance og glansede farver. Victoria og Albert Museum, London; 9 Louis Comfort Tiffany, Peacock Vase, New York, 1893-96. Brænd glas. Metropolitan Museum of Art, New York; 10 Aubrey Beardsley, “Påfugl nederdel” fra Salomé, 1894. via Det viktorianske web; 11 Arthur Silver, møbelstof til Liberty's of London, rulletryk bomuld, 1887. Victoria og Albert Museum, London; 12Dwell Studio, Påfugl sengetøj, billede via Christiane Lemieux/Dwell; 13 Anna Suis stue, fotograferet af Eric Boman for Elle Decor.